SHIRIPÚ

Rock latino con raíces ancestrales

Shiripú es un proyecto envuelto de un aura ancestral que despierta, de una forma poética en su obra, una critica social sumamente importante en Latino America. Temas como el despojo, la etnofagia e incluso de alguna forma el genocidio que rodea la historia de los pueblos originarios son los que Shiripú maneja en sus temas.

Este cantautor plasma metáforas y literalidades en sus letras, desborda su imaginación en géneros musicales como huapango huasteco, son jarocho, cumbia, bossa nova, indie rock, electrónica, rap, blues, rock progresivo; recurre a los sintetizadores para lograr el paisaje que busca en cada canción, él es un barítono ligero de voz aguardientosa y dulce; a la vez puede provocar en sus escuchas una especie de nacionalismo mexicano como inducir reflexiones y críticas más universales hacia la cotidianidad del mundo, aborda el sin sentido de la existencia para afrontarlo y al final resolverlo hacia el caldero de las emociones y de la vida, él dice que es un filósofo musical de barrio que reconforta al público con una obra reivindicadora de lo invisibilizado en la sociedad.

Shiripú irrumpe en la escena musical como un volcán en erupción, fusionando el rock con la fuerza de las tradiciones indígenas y una crítica histórica feroz sobre el colonialismo y la violencia en Latinoamérica. Su música es un grito de guerra que resuena con la memoria de los pueblos originarios, exigiendo justicia y reivindicando su identidad.

Las canciones de Shiripú son un homenaje a los ancestros, a su legado cultural y a la sabiduría ancestral. Con una voz poderosa y letras cargadas de dolor y furia, el artista evoca los horrores del colonialismo, la etnofagia y el despojo sistemático que han sufrido los pueblos originarios.

También hablamos con el sobre sus inicios, su primer contacto con la música y le hicimos algunas preguntas sobre su perspectiva de la llamada Avanzada Rupestre.

¿Cómo inicia tu historia en el mundo de la música?

R: Creo que todo empezó cuando yo nací el 10 de septiembre de 1989 en el hospital Gea González ubicado en Tlalpan, dentro del llamado oficialmente Distrito Federal hoy llamada oficialmente Ciudad de México, mi primer encuentro con la música seguro que no lo recuerdo pero si sé que hubo unos momentos desde muy pequeño cuando yo disfrutaba mucho cantar "Vuela Vuela" de Magneto a la edad aproximada de 4 años; también de muy pequeño, por entre los 5 y 7 años de edad algo que me marcó mucho musicalmente fue la iglesia católica, ese hábito de ir a celebrar misa los domingos con mamá y papá, recuerdo estar sentado en la silla o en la banca que nos hubiera tocado ocupar para estar escucuchando las lecturas bíbiclas, el sermón y  el lenguaje musical del sacerdote cuando interpretaba sus pequeñas melodías al cantar los salmos o  algunos otros fragmentos del discurso de la misa, todo eso incluso me hizo desear ser sacerdote, creo que en ese entonces yo estaba aprendiendo acerca de llevar  consigo mismo un elemento sacro, eso me gustaba porque  me hacía sentir magia, divinidad, una sensacion flotante espiritual ... el plus de todo eso fue la música interpretada por el o los coros, recuerdo que al escuchar las guitarras del coro y al estar de pie frente alguna banca o silla yo imitaba los ritmos rasgueándolos en los respaldos de los asientos influenciado por el movimiento que me transmitía la sonoridad de las guitarras, para mí ese es mi inicio en la música; posteriormente lo que vino , en torno a esa corta edad,  fue que mis padres habrán hablado con la Señora Vicki y el señor Alejandro que en su momento eran la pareja encargada del coro "Amigos de Jesús" en una iglesia de la colonia donde yo he vivido gran tiempo de mi vida que se llama San Charbel,  no recuerdo bien pero tengo la sensación de que antes de integrarme al coro yo ya iba a ofrecer flores al santísimo en esa misma iglesia, lo cual era un acto de veneración y respeto que se hacía diario y que era principalmente integrado por infancias, al integrarme al coro tiempo después mi papá me construyó unas claves son unos palos muy gruesos y yo me puse muy contento, no recuerdo si si me dejaron usarlas en misa, luego hasta mis 11 años un día del niño mis papás me regalaron mi primera guitarra, era una Paracho Michoacán, yo encantado, paso siguiente fue jugar y jugar largos en casa  con mi nuevo instrumento haciendo los rasgueos que ya me salían desde que yo jugaba a tocar la guitarra en los respaldos de las bancas de las iglesias,   por eso siento que mi verdadero inicio fue cuando yo jugaba con los respaldos de las bancas de la iglesia, en ese entonces ya había sucedido en mí algo que le he dicho a mis alumnos, la música antes que sentirla desbocada sobre un instrumento hay que sentirla desbocada sobre nuestro propio cuerpo; lo que vino después fue aprender mucho del repertorio de la iglesia tanto ejecutado con guitarra como con canto, no hubo la necesidad de que nadie se sentará conmigo a enseñarme a tocar la guitarra, el señor Alejandro sólo me regaló una sola hoja donde venían todos los circulos armonicos, no fue muy difícil entenderle con la breve explicación que me habrá dado sobre los nombres de los acordes, lo único que hice previo a aprender el repertorio de la iglesia fue jugar y jugar con lo que mi intuición me estaba diciendo que hiciera con esa guitarra y con mi canto, fuera del bonito y sagrado repertorio de la iglesia las canciones mundanas que me aprendí primero fueron "María" de Liran Roll y  "El últImo beso" de Los Apson.

"Lo realmente importante es hacer frente a la realidad con lo poco que se tenga y alzar la voz evidenciando el ejercicio de la conciencia y del arte"

¿Cuál crees que es la importancia de la avanzada rupestre en el rock?

R: Creo que la importancia  de la avanzada rupestre reside en que nos muestra seres desarrapados en sinergia con otros de su naturaleza y que desde su individualidad tienen la capacidad de conectarse y fluir en su ser con dos elementos superiores de la humanidad que son la imaginación y la creatividad, en esos desarrapados se atestigua que el ser humano es capaz de labrar auténtica y valiosa lucidez desde hacer cotidiano y útil lo simple, los rupestres son como entes grises-multicolor en su esencia, personas capaces de filtrar a través de sí una realidad cruda y fría para posteriormente comunicar al resto del mundo un reflejo o ejemplo de ese necesario hábito que las personas del mundo hemos de cultivar durante la vida en cuanto a la conciencia y al arte, ver a estos desarrapados haciendo música con lo menos es un recordatorio de que aunque la mayoría de las veces no sea mucho lo que se tenga materialmente a la mano para hacer arte, lo realmente importante es hacer frente a la realidad con lo poco que se tenga y alzar la voz evidenciando el ejercicio de la conciencia y del arte, estas dos son capacidades que es preciso sean despertadas en el profundo del ser de todas las personas del mundo, en cuanto a ello la avanzada rupestre es un vehículo a través del cual la gente de cualquier estrato social está a expensas de contemplar el sentir-pensar y las denuncias que la avanzada persigue visibilizar para contribuir a la construcción de nuevas realidades desde una sed de transformación social.

¿Qué desafíos haz superado y cuales tienes actualmente?

R: Hoy por hoy reconozco el enorme desafío de la producción y postproducción de nueve  álbumes más que deseo concretar hacer por mi propia cuenta, a su vez deseo aumentar la calidad de mis herramientas, así que creo que será muy posible todo lo que viene, pero para llegar a ese objetivo me apoyaré en una diversificación de mis esfuerzos en diversas facetas de mi ser dado que en mi persona también persigo intereses ceñidos a la música desde mi formación académica en psicología como en otra carrera que deseo estudiar que es derecho..

"La música es un lenguaje de amor y el hecho de desperdiciar sonoridades y melodías en función de letras pobres es no lograr ver la luz del amor en medio de la oscuridad"

¿Para ti cuál es el futuro de la otra escena y la avanzada rupestre?

R: Creo que el futuro para cualquier escena pintaría fructífero, no todas las escenas buscan intereses similares y mientras vayan logrando sus objetivos celebro que lo consigan, que mientras no se coarten los unos a los otros todos podemos hacer música desde nuestras diversas concepciones o posturas desde lo que creemos que es hacer música, así como desde los diversos niveles teóricos, técnicos que tengamos como artistas musicales.

Lo que sea que todos los artistas musicales estén diciendo con su música es un reflejo, a veces literal a veces en forma de crítica, de la realidad; ambas maneras de decirlo son en sí misma la expresión del síntoma, la comunicación del sentir, las cuales ya son ganancia para nuestra humanidad, a la cual puede o no gustarle su propio reflejo.

No suelo participar de controversias de que música es mejor, sobre todo en cuanto a los géneros más despreciados mi mente se porta más sensible a preguntarse ¿Cuáles son las áreas de oportunidad para que ese género consiga transformarse, evolucionar y en el mejor de los casos generar un impacto memorable en la realidad? Es algo así como reciclar lo que personas soberbias desde su sentimiento de estar portando el santo grial de la música desechan y dejan arrumbado por ahí, a fin de cuentas esas personas toman una actitud desperdiciada, hostil, yo creería en darle una segunda oportunidad a lo que esas personas desprecian y desperdician. Para mí la música es un lenguaje de amor y el hecho de desperdiciar sonoridades y melodías en función de letras pobres es no lograr ver la luz del amor en medio de la oscuridad.

¿Qué canción tuya le recomiendas a nuestros seguidores para conocer tu proyecto?

R: "El llanto de los indios" es una canción en la que declaro mi ascendencia indígena, la sostengo en el corazón y en el alma, busco hablar de lo útil que es llorar para demandar un acto humano de ayuda ante el mundo.

Cuando alguien llora es porque estamos pidiendo ayuda, consideración, en lo posible atención para que alguien nos escuche... porque muy probablemente cuando lloramos tenemos mucho que decir sobre lo que nos ha llevado a llorar. 

En la canción a mí me hace llorar el despojo histórico que hemos vivido los indígenas, un despojo desde un sistema que incluso nos cuestionó si éramos o no personas y aún hoy por hoy en ese son de opresión se sigue despojando a los indígenas de México y del mundo de sus tierras, de su derechos y de esa naturaleza con la que en la historia de sus tribus han sabido convivir, ese natural vínculo con la Tierra sigue siendo despojado, se nos aparta de un planeta que da vida, el cual merece todo nuestro cuidado y amor, sin embargo la urbanización y la supuesta civilización  nos arrebata constantemente esa simbiosis con la tierra, los opresores dijeron que no éramos civilizados porque nos vieron fluir en contacto directo con la naturaleza pero esa simbiosis siempre ha sido  una cosmovisión de estar civilizados y conectados con esa tierra que nos vio nacer.

¿Cuáles son tus planes para el 2024?

R: Preparar los recursos técnicos y hacerme de las herramientas materiales suficientes para comenzar a ensayar la búsqueda de mejores oportunidades en la música, ya que tengo en cuenta que es muy posible que mediante planes claramente estructurados puede hacerse crecer perfectamente un proyecto musical, pero para ello hay que tener preparadas nuestras maneras de promover nuestro arte ante personas o instituciones que habitualmente ofrecen recursos económicos o la oportunidad de entablar negocios con ellos en torno a lo que ofrecemos como productos de nuestro proyecto artístico musical. 

Ese es Shiripú un músico sumamente crítico que tiene bastante que decir en temas tan fuertes como los de el euroscentrismo y la gentrificación. Puedes escuchar a este místico artista mas abajo.

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Emylio Monroy
Director / Fundador de Rhitual Mx