¿QUÉ PASA CUANDO EL OBRERO VIVE DE ARTE?

Vicente Cutanda: Una huelga de obreros en Vizcaya

"Cuando los hijos de las y los obreros viven de arte están reclamando y ocupando un lugar históricamente negado, el de cobrar la vida y sostener la dignidad de los excedentes del capital. Esos excedentes que generan los obreros y que enriquecen a la burguesía, son también los que pueden sostener la dignidad de los artistas periféricos que logran vivir del arte. 

Hay una lucha fuerte e intrínseca en las manifestaciones culturales y artísticas de las periferias, por que además son propias y de identidad popular, preocupada por el bienestar de la comunidad y para beneficio de los pares. 

Graffiteros haciendo galerías, B-Boys en los juegos olímpicos, Mc's en ponencias académicas, gestores en academias, Dj's o sonideros en el CENART, son sin duda alguna revolucionarios reclamando su derecho a la existencia digna y saludable viviendo de la recreación".

Este texto de la compañera Calipso Tierra evidencia de un reclamo que ha cobrado mucho más relevancia en las últimas décadas, abre el hilo a diferentes posturas y teorías en el campo de la sociología.

El texto propuesto plantea una interesante relación entre el mundo del trabajo, la producción artística y la lucha de clases. Al afirmar que los artistas, especialmente aquellos provenientes de clases trabajadoras, reclaman un espacio histórico negado al apropiarse de los excedentes del capital, nos sitúa en un terreno fértil para un análisis crítico desde las perspectivas de Habermas y Adorno.

Perspectiva Habermasiana: La Distorsión de la Comunicación y la Emancipación

Jürgen Habermas, en su teoría de la acción comunicativa, enfatiza la importancia del lenguaje como medio para alcanzar un entendimiento mutuo y superar las asimetrías de poder. Desde esta perspectiva, podríamos analizar el texto bajo las siguientes luces:

• Distorsión comunicativa: El hecho de que los artistas de origen obrero deban "reclamar" un espacio en el mundo del arte sugiere una distorsión en la comunicación. La estructura social capitalista, con sus desigualdades inherentes, ha limitado históricamente el acceso a la producción cultural de ciertos grupos.
  
  
• Emancipación a través del lenguaje: Al crear arte, estos artistas están participando en un acto de emancipación, utilizando el lenguaje y la expresión artística como herramientas para desafiar el status quo y visibilizar sus experiencias. Sin embargo, Habermas podría cuestionar si esta emancipación es completa, ya que sigue estando condicionada por las estructuras económicas y sociales existentes. Por ejemplo, los revolucionarios están patrocinados por algún interés político, la revolución ha caído en un dogma, lo cual puede notarse en el lenguaje simbólico de sus representantes culturales.

Perspectiva Adorniana: La Industria Cultural y la Falsificación de la Experiencia

Theodor Adorno, por su parte, se centró en la crítica a la industria cultural y su papel en la alienación y la cosificación del individuo. Desde esta perspectiva, podríamos analizar el texto así:

• Industria cultural y falsa conciencia: Aunque los artistas mencionados en el texto están desafiando el sistema, su éxito económico dentro de este mismo sistema podría ser visto como una forma de cooptación. Adorno argumentaría que la industria cultural tiende a domesticar las formas de expresión artística, convirtiéndolas en productos consumibles que refuerzan el status quo.
  
  
• Autonomía y alienación: La posibilidad de vivir del arte, si bien es un logro importante, también podría generar una nueva forma de alienación. Al convertirse en un producto del mercado, el arte podría perder su carácter crítico y convertirse en una mera mercancía.

¿En qué medida la producción artística de estos artistas es realmente autónoma o está condicionada por las demandas del mercado? ¿Cómo se relaciona esta forma de arte con las luchas sociales más amplias? ¿Qué implicaciones tiene para la democratización de la cultura?

Referencias de Jürgen Habermas:

• Historia y conciencia de clase: Si bien Habermas no aborda directamente el tema de los artistas y la clase trabajadora, su teoría de la acción comunicativa y su análisis sobre la formación del público burgués son fundamentales para comprender cómo las estructuras sociales influyen en la producción y recepción del arte. Se recomienda consultar obras como "Teoría y práctica" y "Historia y conciencia de clase".
  
  
• El concepto de público: En esta obra, Habermas analiza la evolución del concepto de público y su relación con la esfera pública. Esto te permitirá entender cómo se ha construido históricamente la idea de un público consumidor de arte y cómo se excluyen ciertas voces.

Referencias de Theodor Adorno:

• Dialéctica de la ilustración: Esta obra es fundamental para comprender la crítica de Adorno a la industria cultural y su concepto de "falsa conciencia". Adorno analiza cómo la cultura de masas, al servicio del capital, aliena a los individuos y les impide una verdadera experiencia estética.
  
  
• Mínima moralia: En esta obra, Adorno reflexiona sobre la condición humana en la sociedad industrial avanzada. Sus reflexiones sobre el arte, la cultura y la sociedad pueden ser muy útiles para analizar la situación de los artistas en el contexto actual.
  
  
• La industria cultural: En este ensayo, Adorno desarrolla su crítica a la industria cultural y su papel en la estandarización y la cosificación del arte.

Básicamente observar el texto de Calipso Tierra desde una crítica basada en Habermas y Adorno es vital para enriquecer el contexto histórico, pero para ser más precisos, es indispensable citar a un par de sociólogos mexicanos contemporáneos como Gilberto Jimenez, Marcela Lagarde y Boaventura de Sosa Santos.

Al igual que Gilberto Giménez ha señalado, la cultura popular en México es un espacio de hibridación donde se mezclan diversas tradiciones y expresiones artísticas. Los artistas provenientes de clases trabajadoras contribuyen a enriquecer esta diversidad cultural, al incorporar elementos de sus propias experiencias y luchas sociales. Sin embargo, como advierte Marcela Lagarde, las desigualdades de género también se hacen presentes en el mundo del arte, limitando las oportunidades de las mujeres artistas y reforzando estereotipos de género. Por su parte, siguiendo a Boaventura de Sousa Santos, podemos afirmar que las producciones artísticas de estos creadores representan una forma de conocimiento alternativo, que desafía los cánones establecidos y ofrece nuevas perspectivas sobre la realidad social. 

Referencias de Gilberto Giménez:

• La cultura en las sociedades modernas: Este es uno de los libros más conocidos de Giménez, donde desarrolla su teoría sobre la cultura y las clases sociales en México. En esta obra, encontrarás análisis detallados sobre la hibridación cultural, la construcción de identidades y la relación entre cultura y poder.
  
  
• La producción de la cultura en México: En este libro, Giménez analiza la producción cultural en México, poniendo énfasis en el papel de las clases populares y las comunidades indígenas.

Referencias de Marcela Lagarde:

• Los cautiverios de las mujeres: Esta obra es una referencia fundamental para comprender las teorías de género de Lagarde. En ella, la autora analiza las múltiples formas de opresión que enfrentan las mujeres, incluyendo la violencia de género y la desigualdad económica.
  
  
• Género y feminismo: En este libro, Lagarde presenta una síntesis de sus ideas sobre género y feminismo, así como una crítica a las teorías feministas hegemónicas.

Referencias de Boaventura de Sousa Santos:

• Descolonizar el conocimiento: En esta obra, Sousa Santos desarrolla su teoría sobre la epistemología del Sur y la necesidad de construir conocimientos desde las periferias. El autor propone una crítica radical a los conocimientos occidentales y una defensa de las epistemologías indígenas y populares.
  
  
• Una epistemología del Sur: En este libro, Sousa Santos profundiza en su propuesta de una epistemología del Sur, ofreciendo herramientas conceptuales para analizar los conocimientos y las prácticas sociales desde perspectivas alternativas.

Finalmente no puede faltar la perspectiva crítica desde la óptica de Néstor García Canclini, este antropólogo argentino también ha explorado la relación entre consumidores y productores culturales. En el caso de los artistas de clases trabajadoras, ellos no solo son productores de arte, sino también consumidores de otros productos culturales. Esta doble condición les permite crear obras que son relevantes para sus propias comunidades y que al mismo tiempo dialogan con las tendencias culturales más amplias. 

La hibridación cultural, según la perspectiva de Néstor García Canclini, tiene profundas implicaciones para la identidad tanto de los artistas como de las comunidades a las que pertenecen.

Implicaciones para la identidad de los artistas:

• Identidad híbrida: Los artistas que se ven involucrados en procesos de hibridación cultural desarrollan identidades más fluidas y complejas. Al combinar elementos de diversas tradiciones y culturas, su identidad artística se vuelve una construcción continua y en constante transformación.
  
  
• Autonomía y agencia: La hibridación les otorga una mayor autonomía y agencia creativa, ya que pueden seleccionar y combinar elementos de diferentes fuentes para construir su propio lenguaje artístico. Esto desafía las nociones tradicionales de autenticidad y pureza en el arte.
  
  
• Visibilidad y reconocimiento: Al participar en procesos de hibridación, los artistas pueden lograr una mayor visibilidad y reconocimiento tanto a nivel local como global. Sus obras se vuelven más relevantes y atractivas para un público más amplio.
  
  
• Conflictos de identidad: Sin embargo, la hibridación también puede generar tensiones y conflictos de identidad. Los artistas pueden experimentar una sensación de desarraigo o de pérdida de identidad al combinar elementos de diferentes culturas. Y confirmo :) :(.
  
  

Implicaciones para la identidad de las comunidades:

• Dinamismo y cambio: Las comunidades que experimentan procesos de hibridación cultural se vuelven más dinámicas y cambiantes. La hibridación puede generar nuevos significados y formas de expresión, revitalizando las tradiciones locales y adaptándolas a las nuevas realidades.
  
  
• Inclusión y diversidad: La hibridación puede fomentar la inclusión y la diversidad al crear espacios donde diferentes grupos culturales pueden interactuar y compartir sus experiencias.
  
  
• Pérdida de identidad: Por otro lado, la hibridación también puede generar una sensación de pérdida de identidad en las comunidades, especialmente si se percibe como una amenaza a las tradiciones locales.
  
  
• Resistencia y reafirmación: Las comunidades pueden responder a la hibridación de diferentes maneras: algunos grupos pueden resistir los cambios y tratar de preservar su identidad original, mientras que otros pueden adoptar la hibridación como una forma de fortalecer su identidad.

Pero, el tema no se detiene ahí, sino que tiene implicaciones sagradas que también trastocan el análisis profundizando hasta en la religión, como tal tenemos un texto extraído de Una Madona del Apocalipsis, que nos lleva sobre un análisis más delicado que vale la pena observar:

..."La Virgen de Guadalupe no es sólo una figura religiosa, sino también un símbolo nacional y una expresión de la identidad mexicana. Su imagen ha sido reproducida y resignificada innumerables veces, apareciendo en todo tipo de productos culturales, desde estampas y retablos hasta camisetas y canciones populares. Esta capacidad de adaptación y transformación es una característica fundamental de las culturas híbridas, que se nutren de diversas fuentes y se reinventan constantemente"...

¿Por qué citar un fragmento de esta obra?

• Conexión con la hibridación: Esta obra nos permite explorar cómo las tradiciones religiosas se mezclan con las expresiones culturales contemporáneas, generando nuevas formas de identidad y de relación con lo sagrado.
  
  
• Relación con el arte y la cultura popular: Canclini analiza cómo las imágenes religiosas se transforman y adaptan a los nuevos contextos culturales, lo que nos ayuda a comprender mejor las dinámicas de la cultura popular y su relación con el arte.
  
  
• Crítica a la globalización: El autor ofrece una crítica a los procesos de globalización y a la homogeneización cultural, mostrando cómo las culturas locales resisten y se transforman en respuesta a estos procesos.

Referencias bibliográficas de Néstor García Canclini:

• Culturas híbridas: estrategias para entrar y salir de la modernidad: En esta obra, Canclini analiza los procesos de hibridación cultural en América Latina y el Caribe.
  
  
• Consumidores y ciudadanos: conflictos culturales de la globalización: En este libro, Canclini explora la relación entre consumo, cultura y ciudadanía en el contexto de la globalización.
  
  
• Una Madona del Apocalipsis: los sentidos de la globalización en la cultura latinoamericana: En este libro Canclini ahonda sobre el simbolismo de la figura religiosa, se utiliza la figura de la Virgen de Guadalupe como un hilo conductor para explorar cómo las tradiciones religiosas se mezclan con las nuevas tendencias culturales, generando nuevas formas de religiosidad popular. Examina el papel de la religión en la construcción de identidades colectivas y cómo se transforma en el contexto de la globalización.

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Emylio Monroy
Director / Fundador de Rhitual Mx